Steve Miller, junto al teclista Barry Goldberg, el bajista Roy Ruby, el guitarrista Craymore Stevens y el batería Lance Haas, fundó la Goldberg-Miller Blues Band poco después de trasladarse a Chicago para tocar blues. La banda firmó un contrato con Epic Records después tocar en muchos clubes de la ciudad. Su única publicación fue un single, "The Mother Song".

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Tocaron en el Hullabaloo con el Four Tops and the Supremes e hicieron una actuación en un club de Manhattan. Entonces Miller se mudó debido a la creciente actividad musical de la ciudad de San Francisco y formó la Steve Miller Blues Band. Cuando firmaron con Capitol Records en 1967, acortaron su nombre al definitivo: Steve Miller Band. El cuarteto de Miller, James Cook (guitarrista), Lonnie Turner (bajista) y Tim Davis (batería) tocó con Chuck Berry en un concierto en el Fillmore West, que más tarde se editaría como álbum en vivo. Tim Davis había sustituido a Lance Haas, quien había dejado el grupo.

Poco después, el guitarrista Boz Scaggs se unió a la Steve Miller Band y tocaron en el Monterey Pop Festival en junio. Su álbum debut fue Children Of The Future, grabado en Inglaterra y que salió a la venta en mayo de 1968. Este primer disco no tuvo éxitos destacables y no logró colarse en la lista Top100, pero algunos temas dignos de mención son la melodía acústica "Baby’s Calling Me Home" y el tema funky blues "Steppin’ Stone". Cerrando el álbum, se puede encontrar una lenta canción titulada "Key To The Highway". La Steve Miller Band publicó un segundo álbum en octubre, llamado Sailor, que tuvo mucho más éxito y alcanzó el puesto 24 en la lista Billboard.

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Los seguidores del grupo iban aumentando con cada nuevo álbum. Brave New World, de 1969, llegó al puesto 22; incluía el éxito "Space Cowboy" y el tema "My Dark Hour", en el que también participaba Paul McCartney como bajista. El disco Your Saving Grace, también de 1969, se situó en el puesto 38 y Number 5 llegó más arriba, hasta el 23, ya en 1970.

En 1971, Steve Miller se rompió el cuello en un accidente de coche y Capitol Records editó un nuevo álbum, Rock Love, que incluía material inédito tanto de directo como de estudio. Éste y Recall the Beginning… A Journey From Eden son los únicos dos álbumes de Steve Miller Band que no se han sacado en CD.

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En 1972 se puso a la venta el doble álbum Anthology, una recopilación de dieciséis temas de los cinco primeros discos. El siguiente año, The Joker supuso un cambio en la Steve Miller Band. El sonido era más rápido y enérgico y su primer tema, que daba título al álbum, se convirtió en un número 1. Mientras tanto, el disco consiguió posicionarse en el segundo puesto y fue premiado como álbum de platino por su más de un millón de copias vendidas.

Tres años más tarde, la Steve Miller Band regresó con el LP Fly Like An Eagle, que logró un meritorio tercer puesto en las listas. Sus tres sencillos fueron: "Take The Money And Run" (puesto 11º), "Fly Like An Eagle" (puesto 2º) y "Rock N’ Me", que fue su segundo sencillo en llegar a lo más alto de las listas. En Fly Like An Eagle se encuentra también el tema "Serenade", versionado muchos años más tarde por el grupo español M-Clan con el título "Llamando a la Tierra". Éste es uno de los temas más famosos del grupo español, y de él existen tres versiones: en el disco Usar y tirar, de 1999, se pueden escuchar una con las letras originales en inglés y otra con la nueva letra de M-Clan. En el disco acústico Sin enchufe, de 2001, hay una muy buena versión (acústica) con grandes solos de guitarra.

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En 1977 publicaron Book Of Dreams, que llegó al puesto 2º y también incluía tres éxitos: "Jet Airliner" (puesto 8º) "Jungle Love" (puesto 23º) y "Swingtown" (puesto 17º). En 1982 volvieron a conseguir un nuevo número uno con el tema que compartía título con el disco, Abracadabra.

Desde entonces han grabado esporádicamente pero no se han publicado más álbumes desde Wide River, de 1993.

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The Steve Miller Band’s Greatest Hits 1974-1978, sacado en 1978, ha vendido más de ocho millones de copias y la banda sigue aún ofreciendo actuaciones en vivo.

Fuente del texto: Wikipedia

WebSite: Steve Miller Band

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Surgidos en el año 1967 en Gran Bretaña como banda arraigada en el blues-rock dentro del contexto psicodélico, su desarrollo musical, significado por el desequilibrio emocional de sus principales mentores artísticos y la incorporación de talentos amamantados en disímiles resonancias, fue derivando en ofertas más comerciales con orientaciones pop y soft-rock que llevaron al grupo a convertirse en uno de los conjuntos más exitosos y populares de los años 70.

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Los integrantes originales del conjunto londinense eran músicos procedentes del legendario grupo de John Mayall, los Bluesbreakers: el guitarrista y líder Peter Green (nacido el 29 de octubre de 1946 en Londres), el bajista John McVie (nacido el 26 de noviembre de 1945 en Londres), que había sustituido en las cuatro cuerdas a Bob Brumming (que formaría la Brumming Sunflower Blues Band), y el batería Mick Fleetwood (nacido el 24 de junio de 1947 en Cornwall).

Junto a ellos, se encontraba el guitarra Jeremy Spencer (nacido el 4 de julio de 1948 en Hartlepool), quien se incorporó al grupo por mediación de Mike Vernon, el propietario del sello Blue Horizon, quien también se encargó de la producción de la banda.

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Después de debutar con el single "I Believe My Time Ain’t Long/Rambling Pony", publicaron Fleetwood Mac" (1968), su primer y triunfal álbum que encontró bastante eco en su país entre los apasionados del blues, alcanzando el puesto número 5 en listas británicas de LPs.

El disco estaba dominado por la escritura de Green Y Spencer, además de recuperar versiones de mitos del blues como Elmore James o Robert Johnson.

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Singles como "Black Magic Woman" (versionado con posterioridad por Santana) y "Need your love so bad" lograron ventas estimables que elevaron el prestigio popular del grupo.

En su siguiente album en estudio, el último grabado para Blue Horizon, "Mr. Wonderful" (1968), en donde prorrogaban sus texturas sónicas, intervenía por primera vez la teclista y vocalista Christine Perfect, antigua componente de Chicken Shack que con el tiempo y tras casarse con John McVie se convirtió en Christine McVie (nacida el 12 de junio de 1943 en Birmingham).

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Tras el recopilatorio editado por Blue Horizon, "Pious bird of good omen" (1969), disco que contenía su famosa canción, "Albatross", un tema que les llevó al número 1 en listas de singles, Fleetwood Mac grabó en el sello Reprise su nuevo trabajo, "Then Play On" (1969), álbum en el que aparecía un segundo guitarrista, Danny Kirwan (nacido el 13 de mayo de 1950 en Londres).

El LP, uno de los mejores de su carrera, ensanchaba sus modelos blues a niveles más comerciales con trazos pop y folk otorgadas por las composiciones del recién llegado Kirwan.

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Contiene grandes temas como "Oh Well" (número 2), "My dream" o "Coming your way".

Por esa época también lanzaron uno de sus sencillos más conocidos, "Man of the world", una pieza publicada en el sello de Andrew L. Oldham, Immediate, que alcanzó el puesto número 2 en las listas británicas.

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Peter Green, el alma mater de la banda, también era un gran consumidor de drogas, adicción que poco a poco fue minando su salud mental. Al mismo tiempo enfatizaba sus creencias cristianas abandonando sus raíces judaicas.

En 1970 aparecieron dos discos firmados por Fleetwood Mac. El primero, "Blues Jam at Chess" (1970) era un LP en vivo grabado por el grupo en Chicago que fue publicado astutamente por Blue Horizon en vistas del éxito comercial del grupo.

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Por su parte, la banda ofertó un nuevo álbum en estudio, "Kiln House" (1970), trabajo marcado por una importante baja, la de Green, quien consumido en su estatus de estrella decidió abandonar la nave tras componer el single "The Green Manalishi", que alcanzó el puesto 10 en ventas.

Peter debutó en solitario con "The End Of The Game" (1970), un álbum poco satisfactorio.

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El patronazgo en el sonido de Fleetwood Mac recaía ahora en la pareja Jeremy Spencer y Danny Kirwan, el primero de ellos también habitual usuario de alucinógenos.

Spencer, que acusaba fuertemente los problemas con las drogas, terminó desapareciendo en una gira americana realizada en el año 1971. Tras un período sin tener noticias suyas, se supo que se había unido a una secta religiosa denominada "Los Hijos de Dios".

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Estas importantes bajas, pues la tarea compositiva e instrumental de Green y Spencer era esencial en los primeros años del grupo, pudo provocar la defunción de la banda, que reaccionó agregando a Bob Welch (nacido el 31 de julio de 1946 en Los Angeles), quien ya participó en "Future Games" (1971), un álbum en el cual Christine McVie amplió su protagonismo en el grupo. El sonido varió profundamente, incorporando elementos folk-rock, soft-rock y pop.

El disco recibió un frío recibimiento por parte de crítica y público, al igual que "Bare Trees" (1972), un estupendo LP también de tendencias pop y soft-rock que supuso el trabajo más destacado de Fleetwood Mac con Welch en el seno de la formación británica.

La inestabilidad mental de Kirwan, atrapado por el alcohol, derivó en su despido del grupo cuando se negó a aparecer en escena en plena gira.

Este hecho acentúo el liderazgo de Christine McVie y Bob Welch en la banda, que incorporaría al cantante Dave Walker y al guitarrista Bob Weston, participantes en el disco "Penguin" (1973).

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Ambos se marcharon tras el LP "Mystery to me" (1973), un infravalorado álbum que contenía magníficos cortes como "Emerald Eyes", "Hypnotized" o "Believe me".

"Heroes are hard to find" (1974) fue el último y meritorio trabajo de esta segunda etapa del grupo.

A partir de 1974 y mejor acogidos en los Estados Unidos que en su país de procedencia, Fleetwood Mac se trasladaron a residir en la soleada California. Poco tiempo después sufrieron una importante modificación en sus filas, al decidir Bob Welch dejar la banda para formar el grupo Paris junto a Glenn Cornick y Thom Mooney.

En ese momento se incorporaron dos personajes de notable sensibilidad pop, influenciados por los Beatles y los Beach Boys, que fueron básicos en el desarrollo comercial del grupo, Stevie Nicks (nacida el 26 de mayo de 1948 en Phoenix) y Lindsey Buckingham (nacido el 3 de octubre de 1948 en Palo Alto), quienes formaban parte del dúo Buckingham Nicks.

El disco "Fleetwood Mac" (1975) reavivó el éxito de los primeros Fleetwood, pero elevándolo a lo más alto en las listas, puesto que lograron repetir con el ya mítico LP "Rumours" (1977), un trabajo que contenía temas como "Go your own way", "Dreams", "Second Hand News", "You make a loving fun" o "Don’t stop" y que vendió millones de copias en todo el mundo.

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"Tusk" (1979), el álbum siguiente a "Rumours", consiguió otro gran triunfo comercial aunque sin llegar a los niveles extraordinarios del anterior. El sencillo homónimo y "Sara" fueron los dos temas más importantes de este disco doble.

Los años 80 y en paralelo a triunfantes aventuras en solitario, comenzaron para Fleetwood Mac con la publicación del inevitable directo "Live" (1980) y de "Mirage" (1982) , un trabajo pop que contenía los conocidos sencillos "Hold me" o "Gypsy".

Las carreras en solitario iban minando el trabajo conjunto del grupo, que reaparió cinco años más tarde con "Tango in the night" (1987), un disco de nuevo muy comercial, con estupendos singles como "Little Lies" o "Seven Wonders".

Tras ese trabajo, Fleetwood Mac perdió a una de sus piezas clave, Lindsay Buckingham, incorporándose al grupo Rick Vito y Billy Burnette, quienes intervinieron en su siguiente LP, "Behind the mask" (1990), un disco peor recibido que los anteriores, lo que provocó varios cambios (entrarían Bekka Bramlett y Dave Mason entre otros) y disensiones en el seno de la formación.

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Cuatro años después grabaron "Time" (1995), álbum que supuso el primer gran fracaso comercial de una de las formaciones más célebres de los años 60 y 70.

Fuente del texto: Aloha Criticón

WebSite: Fleetwood Mac

Su estilo pasó del post-punk de sus inicios (Outlandos d’Amour) al reggae blanco que practicaron en Reggatta de Blanc, explotando su éxito en todo el mundo con su tercer LP (Zenyatta Mondatta) al cual le seguiría Ghost in the Machine. Terminaron su carrera con un disco reconocido por la crítica como una de sus mejores producciones: Synchronicity, en la cual se encuentra uno de sus tema más conocidos, número 1 en todo el mundo, Every Breath You Take.

Liderados por Gordon Matthew Sumner, más conocido como Sting (nombre que significa "aguijón" en inglés, y que deriva de un jersey de rugby a rayas amarillas y negras, en plan avispa, que el bajista siempre llevaba puesto en su juventud), Andy Summers en la guitarra, y Stewart Copeland como batería, The Police fue el conjunto británico más exitoso de los 80′s gracias a su impetuoso pop-rock "new wave" enriquecido por algunas dosis de reggae y un talento instrumental y compositivo sublime.

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El trío, además del cantante y bajista Sting (nacido el 2 de octubre de 1951 en Newcastle upon Tyne), estaba compuesto por el baterista Stewart Copeland (nacido el 16 de julio de 1952 en la localidad estadounidense de Alexandría, Virginia) y el guitarrista de origen francés, Henry Padovani, quien pronto sería sustituido por el experimentado Andy Summers (nacido el 31 de diciembre de 1943 en Lancashire), un músico que ya contaba con un largo recorrido en la música rock, pues había estado en bandas como The Animals o Zoot Money. También había tocado con Kevin Ayers o Neil Sedaka.

En 1977, Stewart, Sting y Padovani comenzaron a intentar abrirse paso en la movida punk. Su debut discográfico se produjo con el single “Fall out”, canción compuesta por Stewart, la que fue editada en el sello independiente IRS. El tema recogió una relativa resonancia, pero no fue suficiente para el despegue de la banda. El primer problema al cual el grupo se vio enfrentado, fue la poca experiencia de Padovani como guitarrista, lo cual limitaba la capacidad creativa del grupo. Por ese entonces el líder de la banda era Copeland, quien componía y hasta tocaba la guitarra para grabar algunas cosas ("Fall out" fue íntegramente grabada con Copeland en la guitarra). Copeland insistía en que el grupo tenía que seguir la corriente del punk y en mantener a Henri en la formación, pero Sting no estaba satisfecho con eso, de hecho Sting odiaba el punk por lo limitada de su estructura y estaba frustrado al no poder desplegar sus capacidades.

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El encuentro con Andy Summers vendría al poco tiempo, cuando, durante unos ensayos con el músico Mike Howlett, del grupo "Gong" coinciden los 3 por primera vez. Summers ya conocía de antes a Howlett desde antes, y, The Police (hasta ese momento con Copeland, Sting y Padovani) iba a participar de un tributo a "Gong". Luego de esos ensayos para el tributo, Howlett les propone a Sting, Copeland y Summers formar una banda. El problema era que se veía raro un grupo con dos bajistas (Howlett y Sting). De esas sesiones quedaron cintas con demos que verían la luz 20 años después: el disco se llama "Strontium 90", nombre que iba a llevar la banda. Allí aparece una versión primitiva de "Every little thing she does is magic". Summers percibe que hay algo que podría lograr en esa banda, pero Padovani no encaja, Summers es un tipo experimentado y que a esas alturas ya se había codeado con todos los músicos de su época (Clapton, Hendrix, Page…) y Padovani llevaba apenas unos meses tocando la guitarra. Copeland empecinado con mantener a Padovani en la banda sugirió probar con un cuarteto, pero la diferencia seguía siendo abismal entre ambos guitarristas, no llegaban a los mismos acordes en los mismos tiempos, por ejemplo. Todo eso llevó a Summers a darles un ultimátum a Sting y Copeland: "quiero que el grupo sea un trío". Summers relataba en su libro "EL TREN QUE NO PERDI" esa situación diciendo que "me sentía mal porque le estaba quitando el empleo a otra persona, pero ¿de qué empleo hablo, el del guitarrista de una banda que no es nada y no ha llegado a ninguna parte?" Así que finalmente Sting y Copeland despidieron a Padovani y quedó formada la banda en la manera que se hicieron legendarios. Pero eso era solo el principio, la banda aun tenía varios problemas por resolver, como la falta de lugares donde ir a tocar o una cantidad de temas convincentes o lugares donde poder grabar con cierta comodidad.

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Pero pronto todo empezaría a cambiar: The Police tenía que ir a telonear a una banda a París, pero el concierto se canceló y para colmo se le echó a perder el viejo automóvil a Andy y mientras empujaban la chatarra sobre un puente de París les pilló la lluvia. A la noche Copeland y Summers van a ver Star Wars. Sting prefirió salir a caminar y en medio de eso paseó por Pigalle, lugar donde se ven "lindas prostitutas" (Andy Summers, One Train Later). Fruto de esa observación, días después, en el living de Summers, Sting hace una canción en un ritmo bosa nova. Summers la escucha desde su cuarto y días después se reunen los tres y deciden realizarle unas modificaciones: ponerle ritmo reggae y un coro punk. El resultado se llamó "Roxanne".

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El resultado de esa grabación le pareció excelente a Miles, hermano de Copeland y mánager de la banda, quien, hasta ese entonces, no le veía futuro a la banda y dijo que los llevaría al sello A&M.

En su primera edición, "Roxanne" no consiguió llamar la atención. La canción se incluyó en su primer álbum, Outlandos D’Amour(1978), sin duda uno de sus mejores trabajos y el más enérgico e inmediato, en donde sonaban clásicos como el citado “Roxanne”, “So lonely” o “Can’t stand losing you”. Además otras piezas menos conocidas como “Next to you” o “Born in the 50’s” formaban parte de un LP extraordinario.

El primer gran paso había sido dado, pero ese era solo el principio.

Este brillante inicio de su discografía se confirmaría con discos que copaban las listas de ventas de toda Europa como Regatta de Blanc (1979), LP con temas excelentes como “Message in a bottle” o “Walking on the moon”, y Zenyattà Mondatta (1980), el álbum que coronó a la banda también en los Estados Unidos (número 5 en el Billboard) gracias a canciones como “Don’t stand so close to me” o “De do do do, de da da da”. Estos dos últimos discos fueron co-producidos con la banda por Nigel Gray, quien había ocupado puesto de ingeniero de sonido de su debut.

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Traspasados los años 80, The Police fue abandonado su condición new wave-reggae para centrarse en su vertiente más pop. Así sucede en Ghost in the machine (1981), un disco producido por Hugh Padgham que incluye los singles “Spirits in the material world”, “Invisible sun” y “Every little thing she does is magic”. El éxito permanecía invariable en el viejo continente, alcanzando el número 2 en los Estados Unidos. En 1983 lanzan Synchronicity, un disco que se consolido como una de las mejores obras maestras de la decada de los 80, con "Every Breath You Take", que se convertiria en todo un himno de la banda y de los años 80, ademas de videoclips muy bien realizados como eran el de "Wrapped araund your finger" (que haria famoso el rostro de Sting), e incluso el mismo videoclip de "Every breath you take". La gira de Synchronicity les permitio tocar en el Shea Stadium, lugar donde The Beatles se presento en 1965 ante 48.000 personas. Ese dia The Police entro a la leyenda del rock al convocar a unas 70.000 personas. Este seria el punto de inflexion de la fama de The Police.

El último concierto oficial de The Police en su etapa original fue el 4 de marzo de 1984 en Australia, en la última fecha de la gira del disco Synchronicity.

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Las tensiones y egos entre los distintos componentes provocaron la disolución del trío. Lo llamativo fue que nunca emitieron un comunicado sobre su disolución.

Sting inició una carrera en solitario en 1985, llena de triunfos comerciales en donde había lugar para el pop con influencias jazz, soul o AOR.

Copeland tendió, entre otros proyectos, hacia la composición de bandas sonoras. Cuando todavía militaba en The Police editó varios Ep´s bajo el seudónimo Klark Kent, y después de la separación de Police formó parte de conjuntos como Animal Logic o el más reciente Oysterhead, junto al bajista y cantante de Primus, Les Claypool el guitarrista Trey Anasthasio de phish. Colaboró también tocando la batería en algunas piezas del álbum So de Peter Gabriel.

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Por su parte, Summers colaboró con grupos de rock progresivo y jazz. Andy Summers tocó como invitado en algunos conciertos de la gira de Sting en 1991, perteneciente a su disco solista "Soul of Cages". Sting grabó como músico invitado en un disco de jazz de Summers.

Las presentaciones en vivo de The Police que se registraron estando separados como grupo, sucedieron en 3 conciertos benéficos en Junio de 1986 (Amnesty International). También tocaron en la boda del propio Sting en 1992. Por último, The Police volvió a presentarse en 2003, ocasión en la que ingresaron al Salón de la Fama. Cuatro años más tarde, se reunieron para la entrega de los premios Grammy en febrero del 2007 e interpretaron "Roxanne". También en 2007, se embarcaron en una gira mundial que los llevo a tocar en más de 20 países, 21 años después de su último concierto

A comienzos del 2007 luego de una serie de rumores que sugerían una posible reunión del grupo como conmemoración de los 30 años de su primer single, la banda se reúne para tocar en los Grammys, abriendo la ceremonia al grito de "Somos The Police, y estamos de vuelta para continuar tocando Roxanne".

En los meses siguientes The Police anunció una gira mundial, rememorando los viejos éxitos de la banda. La gira comenzó en Vancouver a finales de mayo, y terminó en Nueva York el 7 de agosto del 2008, después de 150 conciertos, en una de las giras más exitosa del año. Recorrieron Estados Unidos, Europa, México, Chile, Argentina, Brasil, Japón, España, Canadá, entre otros países.

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En general, The Police siempre actuó en vivo como power-trío (guitarra, bajo y batería como instrumentos presentes). Las excepciones fueron las siguientes. En julio de 1977 tocaron como cuarteto, ya que pasaban por la transición entre la llegada del guitarrista Andy Summers y el despido del guitarrista Henry Padovani. En la gira del disco Ghost in the Machine (2/10/1981 – 3/09/1982), el grupo contrató a una sección de vientos formada por The Chops. Finalmente, para la gira del disco Synchronicity (23/07/1983 – 4/03/1984), contaron con la participación de tres coristas: Michelle Cobb, Dollette McDonald y Tessa Niles. Además, en el escenario, ya para la gira de Zenyatta Mondatta, contaban con dos sintetizadores: uno para Sting y otro para Andy Summers; pero nunca entró en escena un músico de apoyo.

Capítulo aparte son los pocos conciertos, para caridad, que dieron en 1986, ya que tocaron con Sony Bono, de U2, y numerosas coristas. En el homenaje por su ingreso al Salón de la Fama, el 10 de Marzo de 2003, tocaron la última canción con la participación de Steven Tyler, Gwen Stefani y John Mayer como coristas.

En su regreso, en la nueva gira (28/05/2007 – 07/08/2008), volvieron al ruedo como siempre, con una alineación pura de power-trío. El baterista Stewart Copeland cambió el micrófono con jirafa por un micrófono de vincha para sus coros. En un concierto de París de 2007 tocaron como cuarteto en la última canción, gracias a la participación del ex-guitarrista de la banda, Henry Padovani. Mención aparte merece la participación de "Fiction Plane", la banda del hijo de Sting cuando tocaron juntos "Next to you" en Hawaii.

Tanto el guitarrista Summers como el baterista Copeland nunca fueron un gran apoyo vocal para Sting en vivo, pese a que ambos tienen buenos timbres de voz. Pero es justo destacar que en estudio sí lo han sido; prueba de ello es el sonido característico de la armonía vocal de The Police que puede apreciarse en sus trabajos, ya que Sting no tenía que grabarse exclusivamente sus propios coros.

Mención aparte hay que hacer respecto de los temas "Be my girl (Sally)", "On any other day" y "Mother": para "Sally", Andy relata la historia del hombre que compró su muñeca inflable y en "Mother" cantó él. "On any other day" es cantada por Stewart y es apoyado por Sting en los coros.

Fuente del texto: Wikipedia

WebSite: The Police

The Stooges es una banda de rock surgida en 1967 en Detroit (Estados Unidos) considerada pionera del garage rock y precursora tanto de la música como de la subcultura punk.

James Newell Osterberg, mejor conocido como Iggy Pop, tocó en diversas bandas de Ann Arbor (Michigan) antes de crear la suya propia. Osterberg se inspiró para formar The Stooges tras conocer en una visita a Chicago al batería de blues Sam Lay. De esta forma, James regresó a Detroit con la idea de crear un estilo de tocar blues completamente nuevo.

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La banda que Osterberg creó estaría formada por él, como vocalista, los hermanos Ron (guitarra) y Scott Asheton (batería), y su amigo Dave Alexander (bajo). Los demás miembros de la banda apodaron a James "Pop" debido al parecido que guardaba con un vecino suyo. Sería poco después, tras presenciar un concierto de MC5 en su ciudad, cuando Osteeberg se autodenominó a sí mismo "Iggy Pop".

El debut de la banda tuvo lugar en un concierto de Halloween que estos dieron en su casa de State Street, en 1967. Poco más tarde, tocaron en el Grande Ballroom (Detroit), junto a grupos como MC5 y otros, dándose así a conocer. The Stooges ganó reputación rápidamente debido a lo violentas y ruidosas que eran sus actuaciones. Pop, especialmente, ganó fama gracias a lo extraño que era su comportamiento sobre el escenario, untando en su torso crema de cacahuete y carne de hamburguesa, haciéndose cortes con trozos de vidrio y mostrando sus genitales al público, entre otras cosas.

The Stooges fueron descubiertos por el observador de Elektra Records Danny Fields (quien más tarde también descubriría y se convertiría en el manager de The Ramones), firmando así un contrato para dicha compañía. Su primer álbum, cuyo nombre es el mismo que el de la banda, salió en 1969, obteniendo muy pocas ventas así como un no grato recibimiento por parte de los críticos de aquella época.

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El segundo albúm, Fun House, lanzado en 1970 y considerado por muchos como el mejor disco de The Stooges, tampoco logró alcanzar un notoriamente mejor recibimiento. En este último, el grupo trató de plasmar la fuerza y la energía que desprendían en sus actuaciones en vivo. En junio de ese mismo año, la banda tocó en el Pop Festival de Cincinnati. Durante su actuación, Iggy Pop se dejó caer en repetidas ocasiones sobre el público, el cual lo sostuvo por encima de la muchedumbre. Este hecho se convirtió en una de las imágenes icónicas del rock a partir de entonces.

En agosto de ese mismo año, Alexander fue despedido temporalmente del grupo por encontrarse demasiado ebrio en escena en el International Music Festival de Goose Lake, siendo rápidamente reemplazado por una sucesión de nuevos bajistas. Llegados a este punto, la banda casi al completo (con la notable excepción de Ron Asheton) se habían vuelto consumidores habituales de drogas como la heroína, siendo Iggy Pop el peor ejemplo de todos. El resultado final de todo esto fue la anulación del contrato que The Stooges tenía con Elektra Records.

Al no poseer compañía discográfica, la banda se quedó durante un tiempo sin nadie que les consiguiese actuaciones ni el dinero necesario como para seguir con la producción de nuevos discos, por lo que se produjo durante un tiempo un parón musical. Afortunadamente, Pop conoció a David Bowie en septiembre de 1971, convirtiéndose ambos rápidamente en buenos amigos. De esta forma, Bowie ayudó a Pop a reconstruir la banda como seguidamente convenció a su discográfica, Columbia Records, de que los contratase.

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Su tercer trabajo, Raw Power, salió pronto a la luz, en 1973, y aunque es considerada como una de las piedras angulares del punk rock, tuvo el mismo poco éxito que sus dos predecesores. El grupo se embarcó en una gira promocional que duró varios meses. Al mismo tiempo, The Stooges llevó a cabo una serie de grabaciones conocidas como The Detroit Rehearsal Tapes, las cuales presumiblemente iban a formar parte de un cuarto album que estaba por llegar. Pero, en febrero de 1975, la banda se desintegró, siendo su principal causa la aún presente adicción a la heroina de Iggy Pop, como también su errático comportamiento en el escenario.

Sorprendentemente, casi treinta años después de su separación, The Stooges se reunieron en 2003 y realizaron una gira mundial, publicando el disco Skull Ring en 2003 y The Weirdness en 2007.

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Iggy Pop

James Newell Osterberg, Jr., más conocido por su nombre artístico, Iggy Pop (nacido en Muskegon, Míchigan el 21 de abril de 1947) es un cantante estadounidense de punk rock. Es considerado uno de los mayores innovadores en el punk rock y estilos relacionados.

Iggy Pop fue el cantante y líder de The Stooges, una pionera banda de fines de los 60 y principio de los 70 muy influyente en desarrollo del punk. The Stooges se hizo famosa por sus actuaciones en vivo, en donde Iggy saltaba del escenario (inventando así el stage diving o salto al público), se tiraba carne cruda y manteca de cacahuete sobre el pecho y se cortaba con botellas rotas. Muchos otros han imitado las travesuras de Iggy.

Iggy Pop tuvo distinto grado de éxito en sus 25 años de carrera como solista. Sus temas conocidos incluyen Search & Destroy, Lust for Life, I’m Bored, The Passenger, I Wanna Be Your Dog y Candy.

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Nacido en Muskegon (Míchigan) y crecido en Ann Arbor, empezó en el mundo de la música como batería en varias bandas de instituto, entre ellas estaba The Iguanas, donde recibió su nombre artístico Iggy. Gran fan del blues, de vez en cuando se escapaba de la universidad y se iba a Chicago (Illinois) para aprender más del blues. Inspirado por ello, al igual que The Doors, formaron The Psychedelic Stooges y se apodó a él mismo Iggy Stooge, y después Iggy Pop. Después de dos años de ensayos, la banda hizo su debut en Ann Arbor, Míchigan.

Su debut, considerado el primer disco de The Stooges, se editó en 1968. Los dos primeros álbumes, The Stooges y Fun House, no tuvieron repercusión en las listas de ventas, aunque estos discos fueron una gran influencia en el naciente movimiento punk. Después de que los nuevos miembros se unieran a la banda, se separaron por la adicción de Iggy a la heroína.

David Bowie les produjo un álbum en Inglaterra, el famoso Raw Power («Poder crudo», literalmente), considerado uno de los primeros álbumes punk rock de la historia, un disco cargado de provocación y contenidos sexuales.

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En él se encuentra su clásico Search and Destroy, posiblemente una de sus canciones más populares. El disco no estuvo exento de problemas y polémica desde su gestación: la portada fue escogida por Tony DeFries (manager de Bowie), y la mezcla se hizo en Los Angeles, lejos del alcance de Iggy, quien proyectaba para el álbum un sonido más crudo del que finalmente resultó.

Ello provocó una polémica que durante años marcó la historia del álbum, llegando a circular, en forma de Bootleg o Disco pirata, una versión titulada Rough power, con las mezclas de Iggy; éste vio editada en 1997, a través de Sony, una versión remezclada personalmente por él, y que representaba su visión sobre cómo debería haber sonado el disco en su día, dándole una mayor presencia a las guitarras y a la batería, en busca de un sonido más agresivo; la nueva remezcla despertó tanto adhesiones incondicionales como rechazos entre sus seguidores.

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Con James Williamson como guitarrista, tuvieron problemas para buscar sección rítmica. Y tuvieron grandes problemas para encontrar los miembros, así que decidieron reunir a los Stooges. No era técnicamente una auténtica reunión, pues Dave Alexander no iba a tocar en el álbum, por sus problemas con el alcohol. Debido a ello murió en 1975. También, Ron Asheton cambió la guitarra por el bajo para dejar a Williamson su lugar. Después de la salida del álbum se añadió un miembro a la banda y Bowie siguió con su apoyo, pero los problemas tóxicos de Iggy persistieron. El último concierto de los The Stooges acabó en una pelea entre la banda y un grupo de moteros documentado en el Bootleg Metallic KO. La drogadicción de Iggy puso un paréntesis en su carrera por varios años.

En 1977, Iggy grabaría el álbum Kill city, con otro ex-Stooge, James Williamson; el disco incluiría temas inéditos que formaron parte del repertorio de los Stooges, como I got nothin, y orientaría el clásico sonido de los Stooges hacia un campo que recordaría al estilo de los Rolling stones; las letras del disco hablan de decadencia, vicio y desesperación: «Til you wind up in some bathroom, overdosed and on your knees» («Hasta que acabas en algún váter, con sobredosis y de rodillas»), diría en el tema Kill city, que da título al álbum. Este disco, a pesar de ser un trabajo de Iggy y Williamson, es a menudo considerado como un disco más de The Stooges, por contener parte del material que formaba parte de su repertorio, y gran parte de la esencia de la banda.

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David Bowie e Iggy se instalaron en Berlín para desengancharse de la gran cantidad de cocaína que tomaban al día; en esos tiempos Bowie solo se mantenía de leche y cocaína. Pop firmó con RCA y Bowie ayudó a componer y producir los álbumes The Idiot y Lust for Life, que fueron considerados como dos de sus mejores trabajos por muchos de sus fans. Entre 1979 y 1982 editaría una serie de álbumes con escasa repercusión, como Party o Zombie birdhouse y un cierto sesgo pop ligeramente naif y psicodélico.

Volvió en 1983 después de tres años de pausa, en los que se desintoxicó de la heroína y se casó, con un nuevo disco en el mercado influenciado por el New Wave Blah Blah Blah.

Su siguiente disco, Instinct, supuso su celebrado regreso al rock, acompañado a la guitarra de Andy McCoy, ex guitarrista de Hanoi Rocks, con el cual emprendería una exitosa gira; en el disco se podía apreciar una cierta influencia del Hard rock que se escuchaba en aquellos años.

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Pero sería con Brick by Brick, considerado por muchos de sus fans como uno de sus mejores y más completas obras, con el que Iggy tomaría el primer plano de la actualidad rockera. El disco contó con la colaboración de los miembros de Guns N’ Roses Slash y Duff McKagan, que aparecerían en el videoclip de Home, una canción que se convertiría en uno de los grandes éxitos de Iggy junto con el Hit Candy, un medio tiempo melódico cargado de dramatismo, que se convertiría en uno de sus mayores éxitos; en el, Iggy cantaría a dúo con la vocalista de B-52′s, Kate Pierson. Main street eyes, I Won’t crap out o The undefeated son otros temas recordados de este álbum, que supondría un acercamiento al Rock americano más clásico, y una profundización a nivel lírico y compositivo de un Iggy más maduro y reflexivo, emulando a los cronistas sociales del Rock Americano como John Hiatt, músico del del cual se incluiría una composición, el tema Something Wild.

American Caesar (1993), seguiría la línea marcada por Brick by brick, combinando potentes temas de Rock and roll, como Wild America, uno de los éxitos del disco, que contaría con la colaboración de Henry Rollins, Beside you, un medio tiempo que contaría con un video musical muy publicitado en la MTV, y una versión que Iggy llevaba años interpretando en directo, pero que jamás había grabado; el hit de los ’50 Louie Louie.

Naughty little doggie, su disco de 1996, retomaría una línea rockera más básica, apartándose de la madurez y eclecticismo de sus dos anteriores discos. Durante los años de Instinct, Brick by brick y American Caesar, Iggy viviría una de las épocas de mayor éxito comercial de su carrera, en parte gracias al auge del rock que se vivió a finales de los 80, con bandas como Guns N’ Roses, y posteriormente con la llegada del Grunge

En 1997 remezcló Raw Power para darle un sonido más duro, llevado en parte por las quejas de los fans por la poca consistencia de la remezclas de Bowie. Coprodujo en 1999 Avenue B con Don Was, y Beat ‘Em Up en 2001, un trabajo que se acercaba ligeramente al Nu-Metal, anque con un enfoque más crudo, en algunos de sus arreglos, apártandose de los clásicos patrones en los que se venía moviendo su sonido. En su trabajo de 2003, Skull Ring colabora con Sum 41 y Green Day, y con los hermanos Asheton, en lo que en la práctica supuso la reunión de los Stooges, que interpretaron varias canciones del disco, como Little electric chair; ello llevó a la organización de una gira como The Stooges, y a consolidar la reunificación de la mítica banda.

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Tras varios años de gira, en los que el grupo interpretó fundamentalmente material de sus dos primeros discos The Stooges y Funhouse, además de los temas grabados para Skull Ring, obviando de esta manera Raw Power, por considerarlo más un disco de Iggy que un trabajo de la «auténtica» formación de The Stooges, el grupo edita en 2007 The Weirdness, el primer trabajo que firman The Stooges desde 1973, año de la edición de Raw Power.

En 2009, Iggy Pop grabó una canción para Slash & Friends, el album en solitario de su amigo Slash.

De manera sorprendente, Iggy participó en un homenaje a Madonna el 11 de marzo de 2008, con motivo de la inclusión de ésta en el Museo del Rock. Si Justin Timberlake se arrodilló ante Madonna, Iggy interpretó a su manera dos éxitos de ella (Burning Up y Ray of Light), y terminó gritándole un juego de palabras sobre Like a Virgin.

Iggy ha actuado en contadas películas[1] tanto como actor como autor de bandas sonoras. Hasta la fecha, ha hecho 15 películas, entre ellas Cry Baby, Sid and Nancy, El color del dinero, The Crow 2, Hardware, Rugrats, la Película, Snow Day, Coffee and Cigarettes, y Dead Man. Así mismo, protagonizó una película española, dirigida por Oscar Aibar, llamada Atolladero. Ha salido en cinco series de TV, Corrupción en Miami, Historias de la Cripta, Las Aventuras de Pete y Pete, y Star Trek: Deep Space Nine.

Aunque Iggy no tenga que ver con la película, un ambiguo Ewan McGregor, drogado en Velvet Goldmine, está considerado ser modelado a su imagen. Del mismo actor, en Trainspotting es el ídolo del protagonista y aparece en la BSO. Su música también sale en Cocodrilo Dundee, así como puso voz a la música de Goran Bregovic en la BSO de Arizona Dream.

En el mundo del entretenimiento, Iggy Pop hace de DJ en la emisora ficticia de rock ‘Liberty Rock Radio’ en el videojuego Grand Theft Auto IV.

Fuente del texto: Wikipedia The Stooges & Iggy Pop

WebSite: The Stooges & Iggy Pop

Grupo de Birmingham (Inglaterra) fundado en 1964. Con Denny Laine en su filas y temas como “Go now”, “Let me go”, “He can win” o “And my baby’s gone” The Moody Blues dieron inicio a su carrera en la Decca intérpretando estupenda música R&B; pero el R&B auténtico, no el soul pachanguero moderno, a miles de años luz del soul de Motown o Stax, que no se por qué demonios le llaman R&B confundiendo al personal ya que nada tiene que ver, a no ser sus raíces negras, con el excitante R&B de los años 50 y 60. Bueno, da igual…

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A finales de los 60, con la salida de Laine del grupo y la entrada de Justin Hayward, los Moody Blues abandonarían estos primeros sonidos para abrazar la psicodelia y sonidos orquestales alcanzando la inmortalidad gracias al tema “Nights in white satin” y discos magníficos como “Days of future passed”, “On the treshold of a dream” o “In the search of the lost chord”.

La banda, representada por Tony Secunda (quien también se haría cargo de la carrera de los Move), estaba compuesta en principio por el cantante y guitarrista Denny Laine (nacido el 29 de octubre de 1944 en Jersey), el teclista y vocalista Mike Pinder (nacido el 12 de diciembre de 1942 en Birmingham), el vocalista, flauta y armonicista Ray Thomas (nacido el 29 de diciembre de 1942 en Stourport on Severn), el bajista Clint Warwick (nacido el 25 de junio de 1940 en Birmingham) y el batería Graeme Edge (nacido el 30 de marzo de 1941 en Rochester).

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Antes de unirse el quinteto sus miembros ya habían tocado en diferentes bandas, habiendo compartido grupo Thomas y Pinder en grupos como El Riot & The Rebels o The Krew Cats, banda que llegó, como los Beatles, a tocar en Hamburgo.

Por su parte Denny Laine había sido el líder de Denny & The Diplomats y Graeme Edge formó parte de Gerry Levene & The Avengers.

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Convertidos en los Moody Blues y en la Decca grabaron en 1964 el single “Lose your money (But don’t lose your mind)”, rítmico tema escrito por la pareja Laine/Pinder que pasó sin pena ni gloria por las tiendas de discos, todo lo contrario que el siguiente, “Go now”, canción escrita por Larry Banks y Milton Bennett, grabada previamente por Bessie Banks, que les llevó al número 1 en el Reino Unido y al 10 en los Estados Unidos en 1964.

Al año siguiente aparecieron otros singles: “I don’t want to go on without you” (número 33), tema escrito por Jerry Wexler y el productor Bert Berns, “From the bottom of my heart (I love you)” (número 22), compuesto por Laine y Pinder, al igual que “Everyday” (número 44).

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Todos estos temas se encontraban en su LP debut, “The Magnificent Moodies” (1965), ampliado en reediciones posteriores de manera espléndida con sensacionales temas encontrados solamente en la época en formato single.

Aunque las ventas de sus últimos sencillos no habían sido baladíes tras conseguir un número 1 con “Go Now” el grupo se sintió un tanto decepcionado con la respuesta comercial, en especial de las estupendas canciones “Boulevard de la Madelaine” y “Life’s not life”. Este hecho provocó que el grupo variase su formación de manera muy importante. De los Moody Blues, ahora con la representación de Brian Epstein, se marcharían Clint Warwick, sustituido por otro componente de los El Riot & The Rebels, el bajista y vocalista John Lodge (nacido el 20 de julio de 1945 en Birmingham), y el miembro clave de la banda hasta el momento, Denny Laine, que sería reemplazado por el cantante y guitarrista Justin Hayward (nacido el 14 de octubre de 1946 en Swindon).

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Laine alcanzaría la fama en los años 70 junto a Paul McCartney formando parte de los Wings.

Los nuevos Moody Blues sacarían al mercado “Days of future passed” (1967), un gran álbum conceptual producido por Tony Clarke y orquestado por Pete Knight, contaba con la participación de la London Festival Orchestra y ofertaba sonidos psicodélicos y progresivos ejemplificados en el single escrito por Hayward “Nights in white satin” (número 19 en 1967).

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El LP resultó más exitoso en los Estados Unidos que en su propio país, llegando al puesto 3 en el Billboard y al 27 en Inglaterra.

Con anterioridad habían publicado en sencillo los temas “Fly me hight”, compuesto por Hayward, y “Love and beauty”, escrito por Mike Pinder.

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“In the search of the lost chord” (1968), con sonidos de mellotron (siendo Pinder un maestro del instrumento), prorrogó el sonido psicodélico, lírico y conceptual de esta nueva etapa y prosiguió incrementando su audiencia internacional, tanto en sus actuaciones en vivo como en la venta de sus vinilos, que en el Reino Unido le llevaron al número 5. Entre los temas de “In the search of the lost chord” se encontraban los singles “Voices in the sky” (número 27) y “Ride my See-Saw” (número 42).

“On the treshold of a dream” (1969) alcanzó el número 1 en Gran Bretaña gracias a temas como “Lovely to see you” o el single “Never comes the day”, mientras que “To our children’s children” (1969), editado en su propio sello Threshold Records, llegó al puesto número 2.

Si el final del decenio había sido estupendo para los Moody Blues el comienzo de los años 70 resultarían igual o incluso mejor, ya que tanto “Question of balance” (1970), con el single “Question” (número 2), como el fenomenal “Every good boy deserves favour” (1971) alcanzaron lo más alto en el Reino Unido y el número 2 en los Estados Unidos.

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Las ganas de volar en solitario por parte de sus diferentes miembros provocó que, en la cumbre de su carrera, el grupo cesara sus actividades durante un largo tiempo después de publicar el LP “Seventh Sojourn” (1972), un disco muy apreciable con temas como “For my lady”, “New Horizons”, “Lost in a lost world”, “Isn’t life strange” o “I’m just a singer (In a rock’n’roll band)” que les aupó al número 5 en el Reino Unido.

Justin Hayward y John Lodge publicarían el disco “Blue Jays” (1975). Hayward y Lodge debutarían en solitario años después con, respectivamente, “Songwriter” (1977) y “Natural Avenue” (1977).

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Pinder había iniciado su carrera como solista con “The Promise” (1976), al igual que Thomas con “From mighty oaks” (1976) y Edge con su Graeme Edge Band y el disco “Kick off your muddy boots” (1975).

A finales de los años 70 los Moody Blues volverían a unirse para grabar “Octave” (1978), disco que los devolvía al número 1 en las listas británicas. Un año antes habían preparado su vuelta editado el disco en directo “Caught Live + 5” (1977), álbum que recogía actuaciones del grupo en los años 60.

Tras “Octave” Mike Pinder, pieza muy importante en el sonido clásico de la banda, fue sustituido por Patrick Moraz. En las siguientes décadas The Moody Blues grabarían trabajos en estudio como “Long distance voyager” (1981) y “The Present” (1983), ambos producidos por Pip Williams, “The Other Side of Life” (1986), “Sur La Mer” (1988) y “Keys of the kingdom” (1991), todos ellos con producción de Tony Visconti, o “Strange times” (1999), sin Moraz y con los teclados de Danilo Madonia, y “December” (2003), sin la participación de Ray Thomas.

Fuente del texto: Aloha Criticón

WebSite: The Moody Blues

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Además de ser la voz principal y las de apoyo, a menudo toca todas las guitarras, bajo, batería, teclados y percusión él mismo cuando graba. Lenny ganó el premio Grammy al "Best Male Rock Vocal Performance", cuatro años seguidos, de 1999 a 2002; y está situado en la 93ª posición de los "100 mejores artistas de Hard Rock" de VH1. Lenny Kravitz ha vendido unos veinte millones de discos en todo el mundo. Pero además tiene en su poder uno de los más amplios conjuntos de hits musicales que lo han alzado al apogeo desde su primera aparición en 1989.

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A causa del trabajo de su madre, se traslada a Los Angeles en 1974. Allí se unió a los California Boys Choir, donde aprendió a tocar una gran variedad de instrumentos. Esto le sirvió para entrar en el programa musical de la Beverly Hills High School.

En busca del éxito musical, adopta el sobrenombre de "Romeo Blue", dada su admiración por el también cantante Prince, pero no consiguió ningún contrato musical con ninguna casa discográfica y decide volver a Nueva York.

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En 1987 se casa con la actriz Lisa Bonet, con la que tiene una hija llamada Zoe. Esta relación se rompió cuatro años después, viviendo Zoe actualmente con su padre.

Durante el tiempo que duró este matrimonio, Lenny Kravitz decide abandonar el look Prince y busca inspiración en grandes rockeros de los 60 y 70, como Led Zeppelin, Queen, Jimi Hendrix, Stevie Wonder y Curtis Mayfield.

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Entonces es cuando Virgin se fija en él y edita su primer álbum Let Love Rule, consiguiendo todo un número uno en las listas de éxitos e iniciando una prometedora carrera, que continúa en la actualidad.

En el 2004, recibió su sexta nominación a los Grammy en esa categoría por "If I Could Fall In Love" de su sexto álbum de estudio, Lenny. El atractivo de Kravitz ha sido reconocido también por sus colegas de profesión; sus colaboraciones son tan variadas como sus propias influencias, habiendo trabajado con Madonna, Slash, Aerosmith, Jay-Z, N.E.R.D., Mick Jagger, P. Diddy y Alicia Keys.

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En 2008 publica el disco It’s time for a Love Revolution que ha conseguido cosechar varios Discos de Oro en distintos puntos del globo, como en España, Estados Unidos y Reino Unido. Su hit más famoso del álbum es I’ll be Waiting, pero para america latina el hit es "Love love love". Aunque durante su carrera se ha mantenido con Virgin entre los cinco primeros de cada ranking en todos sus sencillos comerciales editados para televisión.

El día 5 de julio actuó en Bilbao en el festival BBK live, y el 7 de julio de 2008 en Madrid, cerrando el festival Rock in Rio.

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En 2009, Lenny Kravitz cantará un tema del primer album en solitario de su amigo de infancia Slash, el ex guitarrista de Guns N’Roses.

Fuente del texto: Wikipedia

WebSite: Lenny Kravitz

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Apodado "The Killer" ("El Asesino") por su fuerte personalidad y su puesta en escena, y tras ser considerado seria alternativa frente a Elvis Presley, El Rey del Rock, su popularidad decayó durante los años sesenta y setenta por diversos escándalos. Su figura ha sido rehabilitada en las últimas décadas, entrando a formar parte en 1986 del Salón de la Fama del Rock dentro del primer grupo junto con otros pioneros del rock y posteriormente del Salón de la Fama del Rockabilly. En 2003 la revista Rolling Stone lo situó en el puesto 24º de los mejores músicos del siglo.[1] Lewis es el más joven de los tres supervivientes de la primera generación de rock and roll (los otros dos son Little Richard y Chuck Berry).

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Jerry Lee Lewis nació en una familia pobre de Ferriday, en Concordia Parish, en el Este de Luisiana, hijo de Elmo y Mamie Lewis. Comenzó a tocar el piano en su juventud junto a sus primos Mickey Gilley y Jimmy Swaggart, posteriormente uno de los primeros teleevangelistas. Debido al talento mostrado por Jerry Lee ya desde su infancia, sus padres hipotecaron su granja para comprarle un piano. Influenciado por la música popular entonces emitida por la radio en programas como The Louisiana Hayride o Grand Ol’ Opry, mezcló los estilos de la época (country, rhythm and blues, boogie-woogie y gospel) para crear el suyo propio.

En sus primeros años de adolescencia comenzó a acudir a los guetos negros para escuchar a los cantantes de blues y el 29 de septiembre de 1949 realizó su primera aparición pública en un espectáculo montado por la compañía de automóviles Ford en su ciudad natal, interpretando el tema "Drinkin wine, spoo-dee-o-dee".

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En 1952, con 16 años, contrajo matrimonio con Dorothy Barton, dos años mayor que él (en esa época, en el sur de Estados Unidos, eran comunes los matrimonios a temprana edad). Ese mismo año grabó sus primeras canciones: una composición para piano llamada "New Orleans boogie" y un cover de la balada country de Lefty Frizze "Don’t stay away (’til love grows old)". En septiembre de ese año su madre lo envia a una escuela religiosa de Waxahachie, Texas, para que interpretase música exclusivamente religiosa, pero pronto fue expulsado por tocar una versión de "My God is real" en estilo boogie-woogie.

En 1953, sin divorciarse de su primera esposa, se casa con Jane Mitcham cuando ésta queda embarazada del que sería el primer hijo de Lewis, Jerry Lee Lewis Jr.[3] En 1954 volvió a grabar, haciendo versiones de canciones country como "If I ever needed you" y "I don’t hurt anymore".[4] En estos primeros años actuó en clubes en Ferriday, Natchez, Misisipi y Nashville (Tennessee). Al intentar aparecer en The Louisiana Hayride es rechazado ya que según los ejecutivos del programa debía tocar la guitarra y no el piano.

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En 1956, después de leer un artículo sobre Elvis Presley en una revista, viaja a Memphis para probar suerte grabando en su misma compañía discográfica, Sun Records. En ese momento, el dueño de la discográfica, Sam Phillips, se encontraba en un viaje en Florida así que fue Jack Clement quien grabó sus primeras canciones para el sello: una versión de "Crazy arms" de Ray Price y una composición propia llamada "End of the road".

El 4 de diciembre de ese mismo año se produce un acontecimiento histórico cuando en una sesión improvisada en la sede de la compañía, graba varios temas junto a Elvis, Carl Perkins y Johnny Cash. Bautizados Million Dollar Quartet ("El cuarteto del millón de dólares") en un artículo periodístico aparecido días después e inmortalizados en una célebre fotografía con Elvis al piano, la grabación no vería la luz pública hasta décadas después.

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Fue en 1957 cuando Lewis alcanza un éxito masivo con "Whole Lotta Shakin’ Going on". En un principio, Sam Phillips no estaba convencido de grabar esta canción debido a su contenido sexual que la hacía más propia del gusto del público negro, pero finalmente acepta y se graba como cara B de un sencillo que incluía como tema principal It’ll be me. "Whole Lotta shakin’" fue tocada en vivo por primera vez en un bar de Arkansas el 22 de febrero e impresionó tanto al público que la tuvieron que repetir veinticinco veces en la misma noche.[5] Por su alto contenido sexual, excesivo para la sociedad de la época, fue censurada en muchos programas de radio y televisión. Después de no ser admitida en The Ed Sullivan Show, calificada de inmoral, la presenta en The Steve Allen show, gracias al cual alcanza el número uno en las listas de country y R&B y el tercer puesto en las de pop, llegando a vender seis millones de copias en todo el mundo.[6]

Tras el éxito espectacular del sencillo, el escritor de canciones Otis Blackwell, que ya había trabajado para Elvis, compone junto a Jack Hammer el que sería el tema de mayor éxito de la carrera de Lewis, Great Balls of Fire!. No obstante, Sam Phillips tuvo que convencer al cantante para grabar la canción ya que Jerry rehusaba debido a su contenido blasfemo. El tema logra un gran éxito a nivel mundial y es número 1 en las listas de Estados Unidos y Reino Unido.

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En esa época se produce la que quizá sea la anécdota más conocida en la carrera de Jerry Lee Lewis, origen de su fama de artista problemático que le daría su apodo de "The Killer": en una actuación en el Brooklyn Paramount Theatre de Nueva York, Lewis fue asignado como telonero de Chuck Berry. Como protesta, subió al escenario con una botella de coca-cola llena de gasolina con la que, mientras interpretaba Great Balls of Fire, prendió fuego al piano. Al terminar de tocar le dijo a Berry Supera esto, negro.[7]

En el verano de 1958 Lewis era el músico con más éxito del momento gracias a dos temas más: "Breathless" y "High School Confidential", que lograron altas posiciones en las listas. Esta última apareció en la banda sonora de la película del mismo nombre en la que Lewis actuó. No obstante, su carrera sufriría a finales de año un tremendo varapalo, del que en cierto modo nunca llegó a recuperarse, al conocerse un nuevo dato sobre su vida privada que escandalizó a la sociedad de la época.

Cuando Jerry Lee Lewis viajó a Menphis, conoció a Myra Gale Brown, la hija de su primo, el bajista J.W. Brown.[8] El 12 de diciembre se casaron en Hernando, Misisipi aunque todavía Lewis no se había divorciado de su segunda esposa. Myra Brown solo contaba con 13 años mientras que su esposo tenía 22, razón por la cual ocultaron el matrimonio.

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El 22 de mayo de 1958 Jerry Lee Lewis llegó a Inglaterra junto con su familia, incluyendo a su esposa, aunque se le había recomendado que esta no fuese. En el aeropuerto de Londres un periodista descubre el matrimonio y al preguntar por la edad de la esposa, Lewis contesta que tiene 15 años. La prensa descubre que Myra tenía 13 años,la situación causa un gran escándalo y la popularidad de Lewis baja considerablemente; después de solo tres conciertos con muy poca audiencia, la gira se cancela.

El escándalo siguió a Lewis hasta Estados Unidos y como resultado de ello, fue casi apartado de la escena musical, pasando de ganar 100.000 dólares la noche a 250. La Sun Records lanza un sencillo llamado The return of Jerry Lee que es una entrevista en la que se utilizan partes de las canciones en tono humorístico. En el lado B se incluye Lewis Boogie, pero el disco es un fracaso y no llega a las listas. En 1959 nace su segundo hijo, Steve Allen Lewis, el nombre es en honor al presentador de televisión que presentó a Jerry.

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En 1960 Sun Studios, en un esfuerzo de recuperar la carrera de Lewis, graba canciones instumentales bajo el seudónimo The Hawnk, pero el estilo de Jerry es muy reconocible y el intento fracasa.[9] El único éxito durante este periodo sería una versión del What’d I Say de Ray Charles en 1961. Su popularidad se recupera un poco en Europa (especialmente en Gran Bretaña y Alemania) hacia mediados de los años 60, pero su éxito no llega en Estados Unidos.

El domingo de pascua del 22 de abril de 1962 Steve Allen Lewis muere ahogado en la piscina a la edad de 3 años mientras estaba bajo el cuidado de su abuelo Elmo Lewis, que Jerry interpreta como un castigo por su turbulento pasado. 5 días después del entierro hace un tour por Reino Unido donde es muy bien recibido, sin embargo, desde la muerte de su hijo la relación con Myra empeora y aumenta la dependencia de las pastillas y al alcohol.

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En 1963 Jerry y Myra tienen una hija, Phoebe Lewis, la cual tuvo una estrecha relación con su padre y en la actualidad es su manager. Ese mismo año vence el contrato con Sun y Lewis se incorpora a Smash Records. Ese año vuelve a hacer un tour por Europa en Inglaterra, Escocia, Alemania y Francia.

En 1964 actúa en el concierto "Live at Star Club" en Hamburgo del que saca un álbum considerado uno de los mejores y más salvajes en vivo de la historia del Rock.

Después de más de una década tocando rock and roll, en 1968 Lewis se centra casi exclusivamente en la música country con éxito, con muchas canciones destacando en las listas incluyendo un número 1 con To make love sweeter for you en 1969. Aunque volvió a hacer giras en cuyos conciertos se agotaban las entradas, nunca conseguiría alcanzar las alturas del éxito que tuvo antes de aquel escándalo, a pesar del gran éxito internacional de Chantilly Lace, en 1973.

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La década de 1970 comienza con varias desgracias para Lewis: En 1970 su esposa le pide el divorcio, en 1971 fallece su madre y en 1973 su hijo de 19 años, Jerry Lewis Jr, muere en un accidente automovilístico. Un año después de divorciarse se vuelve a casar.

La ruina pública de su primo, el evangelista de televisión Jimmy Swaggart, no hizo más que aumentar la publicidad negativa de una ya muy problemática familia. Swaggart es también pianista, como su otro primo, la estrella del country Mickey Gilley. La hermana de Jerry Lee, Linda Gail Lewis, también toca el piano, llegando a grabar algunas canciones con Van Morrison.

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El comportamiento errático de Lewis durante la última parte de la década de los 70 y principios de los 80 le condujo a una larga hospitalización cercana a la muerte por úlcera sangrante en 1984. Poco después su cuarta mujer, Jaren Gunn Pate, se ahoga en la piscina de la casa de una amiga; poco más de un año después, su quinta mujer aparece muerta en su casa por sobredosis de metadona. Jerry Lee Lewis, también adicto a las drogas, se interna voluntariamente en la clínica de desintoxicación Betty Ford. Durante los años 80 volvió a tener problemas de salud y es internado en varias ocasiones. También tiene problemas con los impuestos y llega a deber unos 3 millones de dólares.

En 1987 vuelve a tener un hijo con su sexta esposa Jerry Lee Lewis III. En 1989, una película basada en los primeros años de su carrera titulada Great Balls of Fire! (traducida al español como Gran bola de fuego) atrajo sobre él la mirada del público; el film estaba basado en el libro de la ex-esposa de Lewis, Myra, y protagonizado por Dennis Quaid haciendo de Lewis, y por Winona Ryder y Alec Baldwin.

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Después de varios años sin pisar un estudio, Lewis intenta sin éxito sacar un nuevo álbum en 2004, pero el disco aparece finalmente, el 26 de septiembre de 2006 con el título de Last Man Standing e incluye 21 duetos con leyendas vivas como Little Richard, Chris Isaak, Mick Jagger, Jimmy Page, Bruce Springsteen, Ringo Starr, Neil Young, Keith Richard, BB King o Buddy Guy.

En 2007 saca un DVD en vivo de su álbum del que vende más de 500.000 copias. En 2008 actúa en la entrega de los premios Grammy, en el Capitolio de los Estados Unidos y en una gira por Inglaterra. En 2009 Jerry Lee Lewis volverá a sacar un álbum con los Rolling Stones como banda invitada.

Fuente del texto: Wikipedia

WebSite: Jerry Lee Lewis

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Hay gente que es la leche y la conocen pocos. Hoy os presento a un grupo (Rick K. and the Allnighters) que,,, ¡¡mierda!!,, pasa del grupo y fíjate en el batería,, ¡¡¿¿pero esté tío qué coñño es,, músico o malabarista??,,

El tipo es un cachondo de la leche y tiene hasta a un ayudante,, mira,,

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No me hagáis mucho caso pero creo que se llama Steve Moore

Hollywood Rose fue la banda creada por Jeffrey Isbell (Izzy Stradlin) y William Bruce Rose Jr (Axl Rose) después de dejar Lafayette, Indiana y establecerse en Los Ángeles. Posteriormente se transformaría en una de las bandas más importantes de hard rock de finales de los ochenta e inicios de los noventa: Guns N’ Roses.

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Tras su formación en 1985 debutaron como banda en el Troubadour Club, realizando su primera gira llamada The Hell Tour por clubes de Seattle, Portland, Eugene, Sacramento y San Francisco. Dicha gira no llegaron a finalizarla debido a una avería en la furgoneta en la que viajaban que les obligó a regresar a Los Ángeles. Siguieron haciendo actuaciones esporádicas en locales de Hollywood consiguiendo una cierta reputación. Todos vivían y ensayaban en la misma habitación.

Los sellos discográficos se empezaron a interesar por ellos. Su primer mánager oficial fue Vicky Halmilton, la cual les alojó en su apartamento, que destruyeron en poco tiempo. Les consiguió actuaciones y dinero para un equipo decente. Hubo problemas ya que Vicky les exigía mucho más dinero de lo que habían acordado cuando ella invirtió en el grupo, así que prescindieron de ella. Un año más tarde puso un pleito a la banda reclamando un millón de dólares.

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Sin mánager y con amenazas legales sacan un mini LP con su propio sello discográfico Uzi-Suicide, titulado Live Like A Suicide ya con Slash, Duff y Steven Adler en la formación, obteniendo un importante éxito.

En abril de 1987 Tom Zutaut, ejecutivo de la casa discográfica Geffen, escucha una demostración y decide ficharles para su compañía. Guns n’ Roses firmaron el contrato el 26 de marzo de 1986 con Geffen Records, el sello discográfico de David Geffen un amigo de la familia de Slash. Alan Niven que había trabajado con Great White pasa a ser su nuevo mánager.

El 16 de marzo de 1987 hacen una actuación sorprendente en el Whiskey A Go-Go de Los Ángeles donde tocaron temas del disco Live a Like A Suicide. Después realizan una serie de conciertos los días 19, 22 y 29 de junio de 1987 en el Marquee Club de Londres. Era la primera vez que visitaban Europa. La gira no resultó demasiado bien.

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Grabaron su primer disco de estudio Appetite For Destruction, con producción e ingeniería de Mike Clink y mezclas de Steve Thompson y Michael Barbeiro. El disco salió a la venta el 21 de julio de 1987. El disco vendió 25 millones de copias, tuvo tres canciones entre el top 10 ("Welcome to the Jungle", "Sweet Child o’ Mine" y "Paradise City"), y alcanzó el número 1 en las listas. Appetite For Destruction es el segundo disco debut más vendido de la historia. El nombre del disco salió de una postal que descubrieron en una tienda. La portada del mismo, en la que aparecía una joven sentada contra un muro, en evidente apariencia de haber sido recientemente violada y de ir bastante pasada de narcóticos, junto a un robot con gabardina (suponemos que el autor de la violación) y un ser con puñales por dientes sobrevolando la escena, fue censurada a las dos semanas de ponerse el vinilo a la venta, siendo sustituida por la famosa cruz latina en la que aparecían las calaveras de los cinco componentes de la banda californiana. No obstante, la portada original se incluyó en el interior de la carpeta del disco, junto con las letras, y en las páginas centrales del libreto en la edición en CD. Hay quien dice que fue esta portada la que motivó la aparición del conocido sello blanquinegro, cuya leyenda "Parental Advisory/Explicit Content" adorna muchos de nuestros discos; aunque esta afirmación no está probada.

Consiguieron la publicidad suficiente para el disco con una escena en la película "La Lista Negra (The Dead Pool)" con Clint Eastwood como Harry el sucio. La escena duró apenas 10 segundos en la que aparecen en una procesión de un funeral dando el pésame. La banda sonora de la película fue la canción Welcome to the Jungle. Junto con la canción se grabó un vídeo que rápidamente se convirtió en el más pedido de MTV a pesar que anteriormente la misma cadena se había negado a transmitirlo. Las emisoras de FM también empezaban a pinchar la canción, pero lo que más reputación les estaba dando eran sus brillantes shows en directo. Tras algunas apariciones con The Cult, Gn’R se engancharon a la gira de Mötley Crüe. Durante esta gira hubo problemas, tales como el destrozo de una habitación del hotel Doubletree en Dallas por parte de Slash. Los promotores de la gira empezaron a pensárselo seriamente. A la vuelta ya en Los Ángeles, otro incidente, éste en directo, cuando Axl se lanzó al público para pegarse con un guardia de seguridad por intentar echar a un amigo suyo. Después se anuló otro concierto en Phoenix por problemas de Axl (presuntamente con drogas). La prensa se les echó encima después de estos incidentes. Nuevamente salieron de gira con Alice Cooper.

En Míchigan, Steve y Duff son echados de un bar, Steve se rompe la mano con una farola, teniendo que ser sustituido en plena gira por Thomas Schultz.

En la siguiente gira, esta vez con Iron Maiden, Duff abandona el tour para casarse. De nuevo más incidentes en la nueva gira con Aerosmith, en Philadelphia. Axl es detenido por la policía al intentar aparcar en la zona reservada. Pero sin duda el accidente más desgraciado ocurrió en el festival Monsters of Rock en Castle Donnington en Inglaterra en 1988. En el cartel había grupos como Helloween, Megadeth, Kiss o Iron Maiden. A la salida en escena de Guns N’ Roses una muchedumbre frenética de 100.000 personas se abalanzó hacia delante aplastando a dos fans. Al acabar la actuación se enteraron de que dos seguidores habían muerto.

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De vuelta en Estados Unidos, el disco Appetite For Destruction va viento en popa. Llegaron a vender tanto como sólo antes lo había hecho Led Zeppelin con su primer disco. Más tarde "Sweet Child O’ Mine" llega al número uno. El 30 de noviembre sale su segundo disco titulado GN’ R: Lies "The Sex, The Drugs, The Violence, The Shocking Truth".

El siguiente lanzamiento de Guns N’ Roses fue G N’ R Lies, en 1988, que alcanzó el número 2 en las listas. Este disco incluye las 4 canciones de ‘ Live Like A Suicide’ y 4 canciones acústicas entre las que se destacan "Used to love Her" y la controvertida "One in a Million". Una canción que criticaba a los inmigrantes, homosexuales y a los policías; como consecuencia se vieron obligados a retirarse de un concierto en Nueva York contra el SIDA en junio de 1989. En febrero de 1989 actuaron en la entrega de premios MTV Music Awards. La canción Patience en mayo de 1989 se colocó como número 4 y el disco en el número 2. Era la banda junto a System Of A Down, The Beatles y el rapero DMX que tenía dos álbumes simultáneamente entre los 5 primeros puestos de las listas.

Gira por Estados Unidos con los Rolling Stones y Living Colour en septiembre de 1989. Axl anuncia su salida de la banda si no se arreglan "los problemas del grupo con las drogas". Izzy, Slash y Duff inician una cura de desintoxicación. Todos lo consiguen menos Steven Adler que es expulsado de la banda en julio de 1990, le sustituiría Matt Sorum baterista de The Cult. En esa época también entra en el grupo Dizzy Reed, amigo de la banda.

Graban una versión de Bob Dylan, "Knockin’ on Heaven’s Door", como banda sonora de la película Días de Trueno (Days of Thunder) que tenía a Tom Cruise como protagonista.

Izzy Stradlin es multado con 32.000 dólares por orinar en el vestíbulo de un avión con destino a Australia.

En 1989, la banda fue presentadas como favorita por la ‘American Music Award’ por la canción "Sweet Child O’ Mine". En la gala anual de 1989, Duff McKagan y Slash aparecieron borrachos y usaron un lenguaje duro y certero mientras aceptaban su premio como mejor disco de heavy metal por Appetite for Destruction, mejor canción Heavy Metal por "Paradise City" y mejor canción rock/pop del año por "Sweet Child o’ Mine". Slash estuvo a punto de costarles un disgusto a los jefes de American TV, que retransmitían en directo la entrega de los premios American Music Awards 1990, ya que salió a recoger un premio para la banda completamente borracho e insultando al público.

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Duff se divorcia de su mujer Mandy y Axl se casa con Erin Everly en Las Vegas, también un año más tarde se divorcian. El 30 de octubre de 1990 Axl es arrestado en West Hollywood por agredir a su vecina con una botella de vino, que se queja del volumen al que escuchaba la música Axl Rose.

Poco después del lanzamiento de G N’ R Lies, durante las primeras grabaciones de Use Your Illusion, el baterista Steven Adler fue obligado a abandonar la banda por problemas de adicción a las drogas. En ese momento sólo rodaba el suicidio del desconsolado Adler. Otros miembros reconocieron su adicción después de que Axl Rose habló sobre ello en "Mr. Brownstone" durante su actuación previa al concierto de los Rolling Stones. En 1990 Guns N’ Roses volvió a los estudios con un nuevo baterista, Matt Sorum, componente habitual de otra gran banda de la escena hard rock de la época como era The Cult y un nuevo teclista, Dizzy Reed, para comenzar en el proyecto más ambicioso del grupo. El 17 de septiembre de 1991 sacaron a la venta Use Your Illusion I y Use Your Illusion II. La expectación fue total ante el nuevo trabajo de Guns N’ Roses, que subieron al número 2 y 1 de las listas mundiales respectivamente durante 108 semanas. Pocas bandas de rock lo lograron antes.

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Después del lanzamiento de los dos discos de Use Your Illusion, Guns N’ Roses hizo una gira mundial de 28 meses de duración, en parte de ella giraron con la conocida banda Metallica.

Ese mismo año cambian de representante. Despidieron a Alan Niven y contrataron a Doug Goldstein. En enero de 1991 pisan por vez primera Sudamérica, actuando en el festival de Rock In Rio en el estadio de Maracaná ante más de 250 mil personas.

En agosto de 1991 concierto en el estadio de Wembley en Londres con Skid Row como teloneros. Después de este concierto Izzy Stradlin abandona la formación, aparentemente porque tenía serias diferencias con Axl Rose. Pero esto era cierto pues Axl Rose empezaba a generar un cruel ambiente y sus videos estaban empezando a requerir cada vez menos la presencia del resto de la banda. Inclusive en el video de Don’t Cry, una de las canciones del álbum Use Your Illusion, hay una escena en la que aparece un cartel por segundos que hace la pregunta Where is Izzy? (¿Dónde está Izzy?), y por lo tanto estaba cansado de la extensas giras y su relación con Axl no funcionaba. Tenía muchas diferencias musicales y personales, por lo tanto decide dejar el grupo, a pesar de ser el compositor de muchos de los éxitos de la banda. Su sucesor fue Gilby Clarke guitarrista de los Kill For Thrills.

Entre noviembre y diciembre de 1991, se inicia la gira por Estados Unidos, comenzando en Alpine Valley.

Arranca la gira mundial (que duraría dos años) bajo el nombre de Get In The Ring Motherfucker entre enero y febrero de 1992 gira por Australia y Japón, en donde se grabaron los vídeos en directo Use Your Illusion I & II.

En febrero de ese año graves incidentes durante la actuación de la banda en San Luis, el show se retrasó dos horas y media, Axl decidió echar a varios periodistas provocando una pelea, más tarde en el escenario diría "Fuck You St. Louis!!!!". En los incidentes hubo varios heridos de gravedad, setenta detenidos y destrozos por valor de cientos de miles de dólares. El Tribunal del Estado de San Luis declara culpable a Axl Rose de provocar la alteración del orden público e incitación a la violencia. El 25 de julio en Carolina del Sur, sucedió algo similar, lo que terminó con una pelea espectacular con 60 heridos.

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Participan en el concierto en memoria de Freddie Mercury líder de Queen, llamado "The Freddie Mercury Tribute Concert for AIDS Awareness" el 20 de abril de 1992 en el estadio Wembley de Londres. Tocaron las canciones "Paradise City" y "Knockin’ on Heaven’s Door" y Axl cantó los temas "We Will Rock You" y "Bohemian Rhapsody" junto a Elton John. El 6 de junio se presentan en París, Francia, junto a ellos tocan Lenny Kravitz y Steven Tyler y Joe Perry de Aerosmith con quien tocan la canción Mama Kin. Actúan de nuevo en la entrega de los premios 1992 MTV Video Music Awards. Durante ese tiempo, "November Rain" fue uno de los vídeos más votados en MTV, ganando además el premio de los MTV Video Music Awards en la categoría de mejor vídeo.

En la primavera de 1993 hacen una gira por México y en el verano por Europa, por primera vez actúan en España, en el estadio de fútbol Benito Villamarín de Sevilla junto con Faith No More y Soundgarden. Al regreso a EEUU, Axl es detenido en el aeropuerto John Fitzgerald Kennedy por la policía federal por los incidentes de San Luis. Queda en libertad provisional hasta que se celebre el juicio. En agosto en Montreal, Canadá, sucedió otro inconveniente en el concierto junto con Metallica. Su guitarrista y líder, James Hetfield se lesiona la mano, después Axl abandona el escenario a los 15 minutos diciendo que éste será el último concierto durante un largo tiempo. La decisión de no terminar el concierto enfureció a los fans y éstos provocaron grandes destrozos. Pero no fue así. Una vez recuperado James la gira continuó.

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En el otoño de 1992 la banda se va de gira por Sudamérica donde provocan graves incidentes en Bogotá, Colombia, a donde arribaron el 27 de noviembre. Recién llegados, los asistentes de producción se pusieron en marcha para poder conseguir nuevos equipamientos desde Estados Unidos, o bien poder recuperar el que estaba retenido en Caracas. Frente a la imposibilidad de conseguir de manera rápida los equipos, Guns N’ Roses ofreció pasar el concierto programado para el sábado 28 al lunes 30. Pero la producción local se negó a esta propuesta, aduciendo que los espectadores no podrían asistir un día de semana, esto seria el comienzo del fin de esta banda legendaria. Por ello los organizadores decidieron juntar las dos fechas en una sola, que se llevaría a cabo el domingo 29. Durante ese fin de semana, incluso pocas horas antes del show, las entradas seguían a la venta, sin que los organizadores tuvieran noción de cuantas habían vendido. Posteriormente se supo que más de 10.000 entradas fueron sobrevendidas. Algunos fans que habían abonado su ticket no pudieron ingresar debido a que el estadio estaba completamente lleno. Esto causó algunos enfrentamientos con la policía en las afueras del estadio El Campín, donde la masa enfurecida destruyo los alrededores, sin inmaginar que dentro ocurriría una batalla campal contra las inclemencias del tiempo.

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A las 19 horas de ese domingo, la lluvia comenzó. A las 22.15, poco tiempo antes de que la banda llegara a escena, el techo del escenario se desplomó, según reveló una inspección posterior, debido a que las estructuras que proveyeron los organizadores locales eran incapaces de soportar el peso del agua que se acumuló por la lluvia. Finalmente, la banda salió a escena contando sólo con dos tercios de su sistema de sonido y sin techo sobre el escenario. Mientras tanto, en las afueras del estadio, la policía no paraba de arrojar gases lacrimógenos por los tumultos ocasionados por los fans que no habían podido ingresar. En varias oportunidades, los músicos debieron interrumpir el set por la lluvia que a veces se volvía torrencial. Después de un poco más de una hora de concierto, y ante el peligro de que el personal o los integrantes del grupo sufrieran electrocución, Guns N’ Roses decidió finalizar el show.

La siguiente escala seria en Argentina, en donde se pasearon desnudos por el hotel donde se alojaban. En Venezuela hicieron un megaconcierto al aire libre en el estacionamiento del "Poliedro de Caracas", ya que por cuestiones logísticas no podían albergar tanto publico dentro del recinto. En Chile, en el aeropuerto, Axl agredió a varios reporteros gráficos, y al concierto llegó con dos horas de retraso en estado de embriaguez, insultando al público que respondió lanzando botellas al escenario, por lo que el concierto se detuvo mientras tocaban "Civil War" pero luego de 4 minutos continuo. El concierto terminó con más de 50 detenidos y una menor de edad de 4 años muerta. Tras estos disturbios la República de Chile prohibió la entrada de la banda a su territorio (Pero aun así Velvet Revolver pudo entrar a Chile), terminando su gira en Brasil, en la ciudad de Sao Paulo, en el mítico estadio Morumbí ante más de 70.000 asistentes.

Nueva gira por Japón en febrero de 1992, el 1 de febrero tocan en Melbourne, Australia, en el Calder Park Raceway, y 6 de febrero se presentan en Nueva Zelanda, donde hicieron un solo show en el Mount Smart Stadium. En marzo gira por EEUU con Brian May Band de teloneros, nuevo incidentes esta vez en Sacramento donde Axl insultó al baterista de Metallica y habló de éste en términos despectivos. Aparece en el mercado en septiembre de 1993 un disco de covers punk, titulado The Spaghetti Incident?. Este disco compuesto en su totalidad por versiones de otros grupos, y de una tendencia más cercana al Punk de los 70 que no obstante, no logra a alcanzar la popularidad de sus anteriores trabajos. La relación tensa entre los músicos generó la disolución definitiva.

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En 1998 Axl Rose volvió a los estudios acompañado por el baterista Josh Freese (de the Vandals), el bajista Tommy Stinson (integrante de The Replacements), el guitarrista Robin Finck (integrante de Nine Inch Nails), el guitarrista Paul Huge (Paul Tobias), y el teclista Dizzy Reed.

En 1999, el grupo sacó una nueva canción, "Oh My God", que fue incluida en la banda sonora de El fin de los días. Esta canción era el preludio del nuevo disco, Chinese Democracy.

Guns N’ Roses lanzan en noviembre de 1999 un álbum en directo, titulado Live Era ’87 -’93, bajo el sello Geffen. El doble CD incluye canciones grabadas en diferentes shows a lo largo de los 6 años que se indican en el título del álbum. El álbum está mezclado por Andy Wallace. A finales de ese año, Finck volvió a Nine Inch Nails a grabar "Fragile."

En el año 2000, el excéntrico guitarrista Buckethead se unió a Guns N’ Roses.

La nueva formación volvió a los escenarios en enero de 2001 con dos grandes recitales de gran expectación, uno en Las Vegas y otro en Río de Janeiro. Formaron parte Axl Rose, los guitarristas Buckethead, Robin Finck, y Paul Huge, el bajista Tommy Stinson, los teclistas Dizzy Reed y Chris Pittman, y el batería Brain (integrante de Primus), el grupo tocó una mezcla de éxitos anteriores y nuevas canciones de su esperado disco. La formación hizo dos conciertos en Las Vegas a finales de 2001. Durante 2002, el guitarrista Paul Huge deja el grupo y es substituido por Richard Fortus, integrante de Love Spit Love. El grupo celebró varios conciertos en agosto de 2002, incluyendo conciertos en Asia y Europa, y volviendo a New York para su repentina aparición en los MTV Video Music Awards.

La primera gira del grupo desde 1993 presentó problemas. El primer concierto, en Vancouver fue cancelado porque Axl no se presentó a tiempo. Se produjo un motín. La gira siguió como estaba prevista y tuvo resultados diversos. Algunos conciertos no llenaron lugares pequeños, mientras que algunos como los de Nueva York o Boston vendieron todas sus entradas en minutos. Debido a la no comparecencia de Axl en Philadelphia y el resultado del motín de provocado por los fans, Clear Channel, el promotor de la gira, canceló el resto de conciertos.

Informes del grupo de 2001 y 2002 decían que Chinese Democracy sería lanzado a finales de esos años por Interscope/Geffen Records, con quienes parecía que habían arreglado las diferencias (si es que las hubo). A pesar de las protestas de Rose, legales y de otra índole, Geffen sacó a la venta Guns N’ Roses’ Greatest Hits el 23 de marzo. También Cleopatra records sacó el disco "Hollywood Rose: The Roots of Guns N’ Roses" a principios de verano. De nuevo, Rose no pudo parar este lanzamiento.

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En 2002, Q magazine nombró a Guns N’ Roses en su lista de "Los 50 Grupos que deberías ver antes de morir", también en una sub-lista de los "5 grupos que pueden evolucionar de cualquier manera".

En marzo de 2004 Buckethead deja la banda, obligando a Axl Rose a cancelar el concierto del 30 de mayo en el Rock in Rio 4 (Lisboa, Portugal), incorporándose posteriormente a la banda, sustituyéndole, Ron Thal "Bumblefoot", desde mediados de 2006.

Durante los meses de mayo y junio de 2006 Guns N’ Roses actuó, tras un precalentamiento de 4 conciertos en Nueva York (en la prestigiosa Hammerstein Ballroom), en varios países europeos, comenzando el día 25 de mayo de 2006 en Madrid y siguiendo el día 27 de Mayo en el Rock in Rio de Lisboa (en la votación de la página web del evento Guns N’ Roses fue el grupo con más votos para ser incluido en el festival), para presentar (de nuevo) el nuevo disco (que finalmente según declaraciones de Axl en la radio saldrá por fin a finales de otoño), para posteriormente actuar en Inglaterra, Hungría, Alemania, 2 veces más en España (Bilbao y El Ejido), Italia, Polonia, República Checa, Bélgica, Suecia, etc.

El escándalo, sin embargo, no abandona a Axl Rose, que se peleó en mayo de 2006 un pub neoyorquino con el afamado diseñador Tommy Hilfiger (al cual posteriormente le dedicaría la canción "You’re crazy" en un concierto acústico en el cumpleaños de la actriz Rosario Dawson), así como fue detenido a principios de julio de 2006 en Suecia a altas horas de la madrugada en estado ebrio tras pelearse e incluso morder a guardias de seguridad de un establecimiento nocturno.

El nuevo disco titulado por Axl Rose como Chinese Democracy, con nueva fecha para el otoño americano del año 2006, tendría incluidos nuevos trabajos de larga duración y complejidad, entre ellos: "There Was A Time", "Better", "I.R.S." y "Catcher In The Rye" (este último con la colaboración de Brian May), que ya fueron presentados durante el tour europeo y norteamericano en el transcurso del año 2006.

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Básicamente, en este tour mundial revisan en casi su totalidad el repertorio de Appetite for Destruction, más algunas canciones de Use Your Illusion junto la presentación de algunas de las nuevas canciones de Chinese Democracy. Cuenta además con las intervenciones en casi todos los conciertos de los invitados Sebastian Philip Bierk (ex vocalista de Skid Row) junto con Izzy Stradlin.

A partir del 20 de octubre Guns N’ Roses regresa para dar una gira por Estados Unidos (cuyas fechas warm-up fueron realizadas en Las Vegas, San Francisco y Los Ángeles en el aniversario de la emisora KROQ). Además, el pasado 29 de Septiembre se lanzó la nueva página oficial gunsnroses.com con junto al sistema de reservas de la MLB.com para la venta masiva de boletería para la gira norteamericana.

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El 15 de diciembre de 2006, Axl Rose publica una carta abierta en el sitio oficial de Guns N’ Roses y por primera vez en muchos años, se arriesga a anunciar una fecha oficial para el lanzamiento del álbum, que sería el 6 de marzo de 2007. Rose también deja ver que esta fecha es aproximada, afirmando lo siguiente: "Ésta es la primera vez que programamos una fecha para este álbum. Otras fechas que han circulado fueron inventadas por otros, por sus propias razones. Ahora, queremos asegurarles a los fans que trataremos de hacer todo lo posible para editarlo en esa fecha tentativa. Una vez que el álbum esté terminado, serán notificados de manera oficial."

"Si llegáramos a retrasarnos por diversos motivos de ahora en más, serán notificados inmediatamente, y anunciaremos una nueva fecha de lanzamiento lo más cercana posible. Les agradecemos su paciencia."

Con la carta, Rose cancela varios shows: 10 de enero de 2007 en Sacramento, 11 de enero en Bakersfield, 13 de enero en Reno, 16 de enero en San Diego. Justificando que la banda debe preparar el material que lanzará y que concentrará sus energías en el nuevo álbum. La carta también justifica los retrasos y dá disculpas a todos los fans en el mundo por la tardanza del álbum.

En diciembre de 2006, la revista de rock alternativo RIFF Fanzine www.riff-fanzine.com elige a Chinese Democracy como Disco del Año 2006, a pesar de que el disco seguía sin editarse.

El primer sencillo Chinese Democracy, se escuchó en las radios el 22 de octubre de 2008, mientras que "Better" fue lanzado al aire el 17 de noviembre de 2008 poco antes de que el disco saliera a la venta el 23 de noviembre de 2008 a través de las tiendas Best Buy en Estados Unidos, en detrimento de Alemania y Australia donde fue lanzado 24 horas antes el 22 de noviembre de 2008.

El álbum ha recibido una crítica muy positiva a pesar de todo el bagaje que arrastra. David Fricke de Rolling Stone comenta en su critica "…El primer LP con canciones originales desde la primera administración Bush es genial, un autentico disco de Rock & Roll, audaz, trastornado e intransigente… Si este era el Guns N’ Roses que Rose (Axl) seguía escuchando en su cabeza todos estos años, se vuelve obvio porque, dos guitarras, bajo y batería nunca serían suficiente."[1], en clara referencia a la formación original de la banda.

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El 28 de Febrero Axl Rose le da una entrevista a su amigo y manager de los Guns N’ Roses, Del James, su primera en muchos años, en la que desmiente, entre otras cosas, planes de la reunión de los antiguos Guns N’ Roses.

El día 23 de marzo del 2009 la banda anuncia el despido de Robin Finck debido a incompatibilidades (ya que él está trabajando al mismo tiempo con Nine Inch Nails, banda con la que saldría de gira) y la contratación de DJ Ashba, guitarra, compositor y productor de Sixx:A.M. y productor y compositor en parte del disco de Mötley Crüe "Saints of Los Angeles".

El resto del año 2009 se ha esperado la salida del esperado video clip de la canción " Better " de su último disco " Chinese Democracy ", pero parece que será el 2010 la fecha del video, y también se espera que se den todas las fechas para la esperada mega-gira mundial de la banda. Ya se han confirmado tours por Asia y Canadá, y se espera conciertos en latinoamerica, USA y Europa para el 2010.

Luego de la repentina separación de la banda, los ex-integrantes decidieron dedicarse a trabajos personales, con el fin de sacar todo su potencial y demostrar que podían vivir sin el nombre de su antigua banda sobre sus espaldas.

Slash creó la banda Slash’s Snakepit, que en 1995 lanzaría su primer disco, titulado It’s Five O’Clock Somewhere. En el año 2000, la banda lanzaría Ain’t Life Grand, el cual tuvo un poco más de éxito que su antecesor y del cual se puede destacar la canción "Back To The Moment". En 2009 emprendió la elaboración de su primer album en solitario, contando con invitados como Dave Grohl, Ozzy Osbourne, M. Shadows, Fergie, Koshi Inaba, Iggy Pop, Lemmy, Kid Rock o Alice Cooper, además de su compañero Duff, y ex compañeros en Guns N Roses, Izzy y Adler.

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Mientras tanto, Duff McKagan se unía a Neurotic Outsiders , junto a Steve Jones de Sex Pistols, John Taylor de Duran Duran y Matt Sorum. Más adelante realizaría distintos trabajos pasajeros en Loaded y 10 Minute Warning.

Slash, Duff McKagan y Matt Sorum formaron el grupo Velvet Revolver con Scott Weiland (Stone Temple Pilots) en 2003. El grupo contribuyó a la banda sonora de Hulk antes de sacar su primer disco, Contraband, en junio de 2004. Contraband debutó con un número 1 en las listas de ventas. El grupo hizo una pequeña gira antes del lanzamiento del disco durante el invierno de 2004/2005. En julio de 2007 se publicó el segundo disco de la banda, conocido como Libertad. En abril de 2008, Scott Weiland renunció a la banda.

Izzy Stradlin continúa grabando discos en solitario y colaboró en algunas canciones de Velvet Revolver, así como ha participado en la gira europea de 2006 de Guns N’ Roses, en las canciones más emblemáticas.

Gilby Clarke formó parte en el año 2006 del programa televisivo Rockstar Supernova en la búsqueda de un vocalista para una nueva banda, integrada por Clarke en la guitarra, Tommy Lee (Motley Crue) en la batería y Jason Newsted (ex-Metallica) en el bajo.

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Steven Adler ha realizado variadas giras mundiales con Adler’s Appetite. En el año 2008 fue arrestado por posesión de narcoticos.

Fuente del texto: Wikipedia

WebSite: Guns N’ Roses